『基本練習を一日怠たると、先ず自分自身が調子のくずれたことを悟り、二日休むと相手役の人にも感づかれてしまう。更に三日も練習を怠たれば観客にまで見抜かれてしまいます。』世界的なバレリーナ森下洋子が、舞台人として日々の鍛練が如何に大切かを語った言葉です。

　

　

　これは舞台芸術に共通することがらですから、吟詠家が舞台で如何に“上手に聞かせる”かのコツは、第一に発声と音感の練習を毎日することです。発声の練習とは「高い声、低い声」「強い声、弱い声」「明瞭な声」を出すためのトレーニングです。音感を養なうには、発声練習時に「コンダクター」や「調子笛」を使うとよいでしょう。また師や先輩の名吟を聞いたり、他の音楽でも良いものを多く聞いて、正しい音感をつかんで置くことが大切です。

　吟詠音楽は、メロディー本位の歌謡曲などと異なり、言葉がはっきり聞きとれた上で、その意味を理解するといった特徴があります。従って日頃から言葉のアクセントにも十分気をつけて下さい。

　また、いう迄もなく、舞台音楽はナマ演奏が原則ですから、これに応えるだけの鍛練が何時でも出来ていなければ、一人前の舞台芸術家とはいえません。

　吟の“上手な聞かせ方”で、次に大切なポイントは詩の心を表わすコツをつかむことです。「門前の小僧習わぬ経を読む」の如く、意味も解からずに、ただ詩文の字句を吟じたのでは、聴衆は決して耳をかたむけてはくれません。丁度ダシの利いてないスープを飲まされたようなもので、お客様が求めているのは“味”即ち詩の心なのです。

　「読書百ぺん意自（いおの）ずから通ず」という言葉がありますが、まず最初は詩の意味がわかる迄幾度もよく読んで、不明な語句や全体を通じての解釈を丹念に調べて置きましょう。次にその作者がいかなる動機でその詩を詠んだのか、また詩が作られた時代、社会背景はどうであったのかを調べて、自分なりに、その作品の詩心の出し方を研究する必要があります。こうしたことを舞台用語で感惰表現といいます。

　吟詠の感情の出し方は、強い迫力のある詩でも、淋しい詩でも、また情緒的なものでも、一本調子ではいけません。まずその主要な部分幾つかをマークして、その前後を反対に弱くして、強弱のタッチを付けます。それともう一つのテクニックは“間”の持ち方です。詩文の語句の間を、いつも同じタイミングで吟じては味が均一になってつまりません。主題の前、感情が盛り上った語句の前などは、意識的な間を持たせると、一段と気持のこもった吟詠になります。

　詩文の語句を感情表現に結びつける、もう一つの方法、イメージ吟法について述べましょう。これは詩舞などの振付と同じ考え方ですが、今迄述べたことを下敷にして、吟じる詩文と並行して、頭の中に描く詩文を簡潔に作って置きます。具体例として「江南の春」で説明しますと、カッコの中がイメージ詩文になります。

　人間の感情は、イメージがはっきりした時に、初めて自然な形で、声や目つきなど、顔の表情にその雰囲気が現われてくるものです。従って吟詠は、詩文を吟じるより、詩心を吟じた方が、舞台ではより効果的に観客の心を捕えることが出来るわけです。

　

　

「十八番」、おはこと読みますが、得意とする芸事や、もっと具体的な、その作品題名を指していうことばです。

　芸術家にも個人差がありますが、彼等が舞台で芸を披露するときは、その専門分野から、必らず得意なものを選びます。

“上手な聞かせ方”三番目のコツは、この至極あたり前と思われる自分の得意な曲を選ぶということにスポットを当てました。次にその基準と理由を述べましよう。

　以上簡単なようですが、実行するには、強い意志と勇気が必要です。なお誤解を招くといけないのでお断わりして置きますが、ここで申し上げるのは舞台でのことで、通常の稽古の事ではありません。稽古によって得意なものが増え、レパートリーが広がるのは当然のことです。

　「千両の役者に千両の囃子」、千両役者といわれる名優でも、立派な伴奏をつとめてくれるお囃子さんがあってこそ名舞台が完成するという、古典芸能の教訓です。

　吟詠の音楽性が向上したことによって、この吟者と伴奏の関係が一層大切になって来ました。いう迄もなく吟詠の内容表現を、より豊かなものにするためには、この伴奏の作曲、楽器編成、演奏家に負うところが多いのです。“上手な聞せ方”としては一番経費のかかる部分かもしれませんが、この両者の協力こそが充実した舞台効果を発揮します。なお経費のことを申しましたが、現在レコード会社などから、吟詠の伴奏テープが発売されていますので、条件が合えば手軽に利用できます。

　吟詠家に舞台で是非注意して欲しいのが、マイクの使い方です。最近の劇場などの舞台は大変広く、客席の隅々まで声をとどかせるためには、どうしてもマイクのおせわにならなければなりません。ところがマイクは上手に使わないと。例えば或る吟詠家が、自分の声が普通以上に大きいのに、マイクに近寄りすぎたため声がワレてしまったというケースがあります。吟詠の場合、普通で30センチ以上、大きい声の人なら50センチは離れて下さい。また連吟の場合、例えば二人が並んでマイクの前に立っても、マイクには指向性といって声をとらえる角度があります。その範囲内なら問題はないのですが、指向性の狭いマイクの場合だと、入れ替わってマイクの前に立つか、または自分たちが斜めになってマイクの方角に向くしか方法はありません。いずれにしてもわからないことは必ず音響技術者の指示を受けて、マイクを上手に使って下さい。

　

　

　吟詠は音楽であると同時に舞台芸術であることから、音楽の本質である「聞かせる」ことと並行して「見せる」ことの必要性が生じてきました。一体、音楽を見せるとはどういうことなのでしょう。舞台吟詠に焦点をしぼって考えてみました。

　先に結論めいたことを述べてしまいますが、その答えは吟者の「表情」や動作」の工夫と、「衣装」や「髪型」などの身ごしらえや「持ち物」などを、それぞれに工夫して、その吟じられる作品を視覚的にも観客に理解させるということです。この両者の視覚効果が即ち「吟詠を上手に見せる事」になります。

　吟者の表情や動作は、発表する会の形式によって使いわけた方がよいので、次に三つの異った舞台例でこの問題を考えてみましょう。

（a）「式典形式」（大会等での祝吟や招待吟などに該当するものです）心がまえとしては、吟詠の本質である品位格調を見せ、秩序ある会の進行に従います。特に目立とうなどといった意識はすてて、自分の芸を十分発揮させると共に、会場のお客様に対する親愛感を持って下さい。またこの種の会では主催者の慶事に関係したことなどもありますから、祝意などの配慮も必要です。

（b）「コンクール」コンクールといえども舞台芸術ですから、心がまえは式典形式に順じます。然しなんといっても吟者の熱意や、真面目でひたむきな態度が審査員には好感を持たれます。

（c）「構成番組形式」（番組の内容が、“日本の春”とか“戦国の武将”といったテーマで構成された作品に出演する場合）基本的なことですが、この様な舞台では必らず企画者や演出家の指示をうけ、作品に対する統一した考え方を聞いて置くことです。その上で、例えば詠まれている情景の中の人物に感情移入するとか、または作者の気持で吟ずるとかの心がまえを決めることが必要です。

　こうした感情表現は吟じ方の上でも勿論ですが、舞台上の動作、例えば登退場の歩き方にも表われてくるべきです。日頃の経験を活かして、嬉しい時には明るくはずんだリズムで、怒った時は強いタッチのリズムで、また悲しい場合はタッチも弱く、リズムもゆっくり、といった具合に歩いた方が自然です。更に上半身の構え（特に肩の張り方）視線の方向や強さなども一緒に表現できれば成功です。吟詠家でも、詩舞や剣舞などの心得のある人は、歩き方や目遣（めづ）いが大変上手です。それは肉体表現の訓練や、音楽に合わせて動くという感覚が養なわれた結果であることをつけ加えておきましょう。

　上手な見せ方のポイント二番目は、前述の様に吟者の身ごしらえに関するものですが、そのトップは衣装です。

　舞台出演を数日後に控えて「私、どんな着物を着て出れば良いのかしら・・・」といった相談をよくうけます。一般論としての舞台衣装の選び方は、一言でいえば“その吟にふさわしいもの”ということになるのですが、特に男性の場合は変化に乏しく、和服では黒紋付に袴、洋服でも黒のダブルが圧倒的です。最近は色紋付で、例えば春の吟題に若草色、秋にブラウン系のものを使って効果を上げる人もいますが、たとえ黒紋付でも襦袢の衿の色や、袴の色柄を工夫することで相当に効果を上げることが出来ます。

　洋服の場合は黒に限らず、節度をもって、色や柄、またはネクタイを選んで、その吟にふさわしい服装をととのえることは、さほどむずかしいことではありません。それに比べて女性の場合は、男性のように黒一色ということはありませんし、特に和服が主流ですから、もっとその吟にふさわしい、色・柄・模様の着物や帯、そして帯締や衿を選んで組合せることが出来ます。

　次に具体的な衣装（和服）選びのヒントを、曲の種類別に述べましょう。

●祝儀曲＝「祝賀の詞」のような祝意を述べた詩曲の場合、男性は黒紋付に仙台平の袴など、女性は黒留袖（江戸褄）か色留袖、または色無地が無難です。訪問着やつけ下げ、若い人なら中振袖もよいが、格調の高い有職文様（ゆうそくもんよう）などの図柄を選んで下さい。

●教訓詩・従軍詩＝「中庸」「偶成」などの教訓的な詩や、「城山」の様に戦（いくさ）を扱った詩を吟じる場合、男性は黒紋付か地味な色紋付。女生は色無地・小紋などのやや地味なもので地色は寒色系（青・紺・紫系）やグレー系がよいでしょう。

●情景詩・懐古詩＝作品は数多くあるが、女性の場合、着物の種類（小紋とか、つけ下げとかの区別）については特にこだわらず、色調と図柄に注意を向けて下さい。色調は前項でも述べように、作品の季節感によるものと、内容的な色彩感覚即ち、情熱的であったり明朗なものは暖色系（赤・橙・黄系の色）、苦悩、悲しみ、幻想などは寒色系の色彩を優先させて下さい。図柄については詩心やイメージが合うものを選び、假にも「寒梅」の吟者は、菊やばらの図柄を使ってはいけません。

　出演する舞台の性格によって衣装を選ぶ場合もあります。

●招待吟＝主催者が「米寿」「創流記念」などの会に出吟する場合、例え祝儀曲でなくても、礼装で出演するのが先方に対する礼儀です。

●リサイタル＝吟者が一人で何曲も続ける舞台では、曲目中心に衣装を選ぶことは不可能です。こうした場合は、吟者が最も似合う色調で、具体的な図柄を避けたものを選びます。

●大合吟＝多人数が統一された衣装で舞台に並んだ姿は壮観です。10名以上では、色無地の着物と、帯も調和のとれた“おそろい”にすれば舞台栄えがします。色目は緑・べージュ・水色・藤紫・グレー系が無難。なお図柄のあるおそろいは、具体的な絵よりも図案的なものがよいでしょう。

●連・合吟＝数人の仲間で連吟する場合、衣装がばらばらでは見た目のハーモニーが狂ってしまいます。大合吟の様に全員同じ衣装による統一感もよいが、その変形として帯だけ色違いにして調和とアクセントをつけると面白いものになります。なお少々ぜい沢ですが、吟題に適した図柄に対して、それぞれの地色に変化をつけた“色変り”のおそろいは衣装効果が抜群です。

　舞台では、どんなに良い衣装でも「着付け」が悪ければ少しも見栄えがしません。衿元（えりもと）や着丈（きたけ）に注意し、履き物との調和も考えましょう。衣装に次ぐ身ごしらえは「髪型」です。

吟詠家の場合、男性ならパンチパーマや長髪は避けるべきでしょう。女性は和服に似合った髪型を日頃から手入れして置くことも必要です。最近は洋服での生活が多いからつい洋髪が中心になり、眉や眼に髪の毛がかぶさって、表情が見えない人も見うけます。それと何よりも、大切な舞台で、衣装と髪型がアンバランスなのは舞台人として失格です。なお髪飾（かみかざ）りもなるべく控目にして、むしろ乱れ毛のないような身だしなみを心掛けて下さい。男性も髪の手入れ、無精ひげなど特に注意してほしいところです。

　日本の伝統芸能では、舞台で演奏する人の約束ごととして扇を持つ習慣があり、大変風格があります。使用する扇は白扇（地紙が白無地）で大きさは男性が9寸、女性は7寸位です。扱い方は男性の場合、右手小指の腹（はら）が要（かなめ）をおさえるように握り持ちして、下方45度位の角度に構えるのが基本型です。歩行中は手はあまり振らないこと（自信のない人は帯にさして置き、止ってから持てばよい）。またハンドマイクを持つ場合などは扇は帯にさして置きます。女性は坐って吟ずる以外は扇は帯にさして置き、手は、右手指先を左手で軽くにぎります。坐奏の場合は扇の先を左手のひらで受けます。扇を帯にさす位置は、男女とも左乳の真下で、帯から2〜3センチ位のぞかせる迄さし込んで下さい。

　“上手な見せ方”の仕上げは身ごしらえや身だしなみの項で述べた事柄を再度チェックして下さい。その時間は少くとも出演30分前に控室で済ませます。更に5分前になったらもう一度身だしなみに関するポイントをチェックして、安心と自信を持って舞台に進んで下さい。